Franz von Stuck, artista visionario

Fondatore della secessione di Monaco

Franz von Stuck (1863-1928) era un artista espressionista tedesco.

Nel 1892 fondò il movimento della secessione di Monaco (secessionismo nell’arte) insieme ad altri artisti monacensi in segno di protesta contro il conservatorismo dell’arte ufficiale.

Questo movimento, considerato la prima secessione della storia dell’arte moderna, trovò i suoi punti maggiormente qualificanti nel rinnovamento della pittura di paesaggio, nella creazione di un nuovo gusto decorativo soprattutto nella grafica, nell’apertura agli aspetti più vivi della cultura artistica europea.

LO STILE

Stuck è particolarmente noto per i suoi dipinti allegorici pervasi di torbida sensualità e di morboso romanticismo, a tratti decisamente inquietante.

I soggetti delle sue opere sono solitamente personaggi mitologici o religiosi.

Lucifero

1889-90, olio su tela, 161×152 cm, Sofia, National Gallery for Foreign Art

Franz von Stuck: Lucifero, 1889-90, olio su tela, 161×152 cm, Sofia, National Gallery for Foreign Art

Il protagonista di quest’opera è Lucifero seduto su una sorta di muretto, nudo, con le ali flosce e nere.

Viene rappresentato da Stuck con espressione pensierosa e corrucciata mentre fissa lo spettatore in modo insistente ed inquietante con i suoi occhi gialli e magnetici, particolare che spicca tra i colori scuri della tela.

Allo stesso tempo la posa conferisce all’angelo caduto l’aria di un’oscura forza in agguato che potrebbe assalire da un momento all’altro materializzandosi fuori dalla tela.

È un’opera particolarmente suggestiva che mette Lucifero sotto una luce diversa dal solito, rappresentato quasi come un essere umano colto in un momento di meditazione.

Il peccato

1893, olio su tela, 95×60 cm, Monaco, Neue Pinakothek

Franz von Stuck: Il peccato 1893, olio su tela, 95×60 cm, Neue Pinakothek, Monaco di Baviera
Franz von Stuck: Il peccato 1893, olio su tela, 95×60 cm, Neue Pinakothek, Monaco di Baviera

L’opera rappresenta il racconto del peccato originale impersonificato da Eva la quale, in questa tela, non è più vittima bensì artefice di tentazioni.

Il suo corpo nudo, messo in evidenza dalla luce, è avvolto dalle spire di un serpente che fissa minacciosamente lo spettatore dalla spalla destra della protagonista.

Dall’ombra spicca però il baluginare degli occhi della donna che osserva con sguardo sensuale oltre la tela, quasi a voler attirare verso di sé chiunque la stia guardando.

Il dipinto è dominato da una sorta di ironia, sottolineata ad esempio dall’enigmatico sorriso di Eva, che dimostra come l’artista vedesse nel peccato un’inevitabile componente dell’esistenza umana piuttosto che una colpa. È la tela che forse più incarna il pensiero e la visionarietà di Stuck.

Virginia Ciccariello


Merda d’artista di Piero Manzoni

<<Un quadro vale solo in quanto è, essere totale>>

Piero Manzoni: Merda d'artista
Piero Manzoni: Merda d’artista. Foto a bassa risoluzione inserita al solo scopo didattico.

Merda d’artista:

Piero Manzoni (1933-63) era un artista italiano nato a Soncino e cresciuto a Milano.

Per Manzoni l’arte non deve rappresentare oggetti o esprimere sentimenti, infatti la sua volontà è quella di fare dell’arte un campo in cui agire liberamente e in cui lasciare un segno del proprio essere nel mondo.

<<Un quadro vale solo in quanto è, essere totale>>, con queste parole Manzoni esorta gli artisti a liberare la superficie della tela dalla sua condizione di puro supporto per sfruttarne al meglio le possibilità di “luogo” e “spazio totale”. Manzoni infatti è profondamente affascinato dalla ricerca spazialista di Fontana e chiaramente ispirato da Duchamp e i Dadaisti.

Merda d’artista, 1961

Con ironia e spirito provocatorio Manzoni si prende gioco dell’opinione comune secondo cui l’opera d’arte deve far emergere ciò che l’artista ha dentro di sè presentando come prodotto artistico le proprie emissioni corporee come Merda d’artista.

L’artista sigillò dei barattoli di latta da 30g simili a quelli per la carne in scatola, ai quali applicò un’etichetta tradotta in varie lingue e la sua firma. Per quest’opera si ispira al Neodadaismo per la presentazione di un oggetto quotidiano caricato di nuovo significato e anche al Nouveau Realisme per il soffermarsi sulla figura dell’artista.

Un gesto di sfida

Non si ha certezza del reale contenuto delle lattine, ma è ovvio che sia un gesto di sfida con cui Manzoni intende lanciare una critica nei confronti della mercificazione dell’arte e dei meccanismi che danno più importanza all’autore che all’opera stessa.

A fortificare la sua tesi, stabilì che la sua Merda d’artista dovesse essere venduta al prezzo dell’oro alludendo al valore dell’artista che grazie ai meccanismi commerciali della società dei consumi poteva vendere al valore dell’oro una parte di sé stesso.

Le sue ragioni ebbero dimostrazione quando le scatolette raggiunsero presto quotazioni altissime nel mercato internazionale dell’arte.

Virginia Ciccariello


“Querelle” di Andy Warhol

Cenni biografici sull’artista

Andy Warhol in una foto del 1975
Andy Warhol in una foto del 1975

Andy Warhol (nato Andrew Warhola 1928-87) figlio di immigrati cecoslovacchi, è una figura emblematica dell’America degli anni sessanta e figura chiave del movimento della Pop Art. Nato in Pennsylvania, si trasferì a New York nel 1949.

È particolarmente conosciuto per l’ampiezza delle sue opere, in quanto comprendevano pittura, disegno, incisione, fotografia, serigrafia (procedimento di stampa nel quale l’inchiostratura viene eseguita oggi attraverso la trama di un tessuto in poliestere teso su un riquadro in legno o metallo definito quadro serigrafico), scultura, film e musica.

Warhol e il pubblico

Warhol cambia l’idea stessa di artista, che per la prima volta diviene imprenditore di sè stesso. Andy Warhol impersonava in modo emblematico il nuovo personaggio-divo. Creatore, produttore e attore al tempo stesso, donò al mondo la figura del divo dell’arte.

Il modo in cui l’artista era solito presentarsi al pubblico è la prova del fatto che nessuno meglio di lui è riuscito a penetrare meglio nel meccanismo che regola il culto del divo. Presente e assente nello stesso tempo, faceva l’effetto di un fantasma in carne e ossa. Inoltre amava farsi sostituire da sosia ed era quindi ovunque nascondendosi sotto una parrucca bianca e dietro occhiali scuri.

Quello che per i divi di Hollywood era lo schermo, per il divo Andy Warhol era la stampa mondana.

The Factory e la Business Art

The Factory, il suo studio dal 1963 al 1968 in una vecchia fabbrica sulla 47ª strada a New York, era organizzato come una piccola industria dell’arte.

Warhol approda all’arte dal mondo della comunicazione pubblicitaria, elaborando un linguaggio freddo e impersonale improntato alla dichiarata intenzione di fare un’arte che sia impassibile registrazione della realtà, utilizzando quindi tecniche di produzione industriale come, appunto, la serigrafia.

Inoltre The Factory era un punto di ritrovo per intellettuali, drag queens, sceneggiatori, celebrità di Hollywood e gruppi destinati a diventare famosi come i Velvet Underground e i Rolling Stones (di cui lo stesso Warhol disegna alcune copertine).

Andy Warhol si definiva “Business-Artist” poichè riteneva che saper fare affari fosse la migliore forma d’arte.

Querelle, 1982

Andy Warhol - Querelle: foto a bassa risoluzione inserita a scopo didattico.
Andy Warhol – Querelle: foto a bassa risoluzione inserita a scopo didattico.

Ad Andy Warhol fu commissionato nel 1982 dal regista tedesco Rainer Fassbinder un poster per il suo adattamento cinematografico del romanzo di Jean Genet “Querelle”, che parla delle scappatelle sessuali di un giovane marinaio in un porto francese.

Warhol per realizzare questa serigrafia si ispirò ad una polaroid raffigurante due ragazzi con le spalle nude, uno dei quali con la lingua fuori.

Ne esistono diverse versioni, ma tutte hanno una base monocromatica con la lingua del ragazzo che spicca di un blu brillante o di un rosso acceso. L’attenzione è quindi chiaramente concentrata sulla lingua ad evidenziare la carica omoerotica dell’immagine, tema dell’opera cinematografica che doveva pubblicizzare. Inoltre i contorni sbalzati conferiscono un effetto quasi fumettistico.

Non è difficile immaginare che sia Fassbinder che Warhol fossero affascinati dalla violenta ed esplicita storia omoerotica della scrittrice.

Quest’opera di Warhol a mio parere documenta la collaborazione di tre delle menti creative più provocatorie del XX secolo, Genet, Fassbinder e Warhol.

Virginia Ciccariello


Blue Poles, Number 11 di Jackson Pollock

Blue Poles: Number 11 di Pollock

Action Painting e Dripping

Jackson Pollock è l’esponente più celebre della nuova arte americana del dopoguerra.

A partire dal 1943 mette a punto i mezzi per un nuovo modo di dipingere definito poi Action Painting (“pittura d’azione”). Prima di tutto elimina cavalletto e parete per lavorare sulla tela disposta sul pavimento.

Inizia inoltre a sperimentare la tecnica del Dripping (“sgocciolamento”), cioè intingendo larghi pennelli nel colore e lasciandoli sgocciolare con diversi movimenti della mano.

Sentirsi parte del quadro

Come egli stesso disse: <<Sul pavimento mi sento più a mio agio. Mi sento più vicino, più parte del quadro; posso camminarci intorno ed essere letteralmente dentro al quadro. Un metodo simile a quello degli indiani dell’Ovest che lavorano sulla sabbia>>.

Proprio le sorti degli indiani d’America, e nello specifico i Navajo, erano infatti oggetto di grande sensibilità da parte del pittore e dipingeva alla loro maniera utilizzando i più svariati materiali (pezzi di legno o stracci immersi nel colore, vernici, alluminio,  materiali da lanciare letteralmente sulla tela come sabbia, sassolini, pagliuzze…) abbandonando quasi completamente gli “attrezzi” classici del pittore.

Blue Poles: Number 11

Jacson Pollock: Blue Poles Number 11 ( 210 × 486,8 cm), anno 1952
Jacson Pollock: Blue Poles Number 11 ( 210 × 486,8 cm), anno 1952

Blue Poles: Number 11 (1952) è una delle tele più note dell’artista. La tela non ha né limite né cornice e il colore entra prepotentemente nel nostro spazio visivo riuscendo a far sentire lo spettatore parte del quadro, dando vita così alla pittura “all-over” (“a tutto campo”) .

La concezione tradizionale dello spazio pittorico viene infatti superata eliminando gli schemi compositivi e la sovrapposizione dei piani.

La presente opera (dimensioni 210 × 486,8 cm) fu realizzata dal pittore nel 1952 su commissione dell’architetto Tony Smith. Si trova attualmente nella National Gallery of Australia di Canberra.

Interpretazione

Osservando questa tela ci si immerge nel vortice di colori e segni creati dall’artista.

Pollock non segue nessun progetto , ma si fa semplicemente guidare dalla sua spinta creativa interiore.

Questa tela è chiaramente ispirata agli indiani d’America, infatti i pali sembrano non essere altro che dei totem indiani.

Ritengo che con quest’opera l’artista abbia voluto offrire omaggio a questo popolo rappresentando attraverso l’ingorgo di segni e colori confusi tra loro, l’inquietudine che ha dovuto subire, distrutto da guerre e violenza.

Credo che per descrivere questo quadro le parole più adatte siano crudo, reale e diretto perché rappresenta appunto una verità raccontata secondo l’idea, il sentimento e la capacità tecnica dell’artista.

Virginia Ciccariello


La Riproduzione Vietata (ritratto di Edward James) di Renè Magritte

La Riproduzione Vietata di Renè Magritte

L’influenza delle Avanguardie futurista e cubista

Riproduzione vietata di Magritte
Riproduzione vietata di Magritte. Foto a bassa risoluzione inserita al solo scopo didattico.

Le esperienze delle Avanguardie futurista e cubista si rivelano molto importanti per lo sviluppo della poetica di Renè Magritte.

Il Futurismo gli suggerisce la possibilità di sovrapporre figure diverse nello spazio secondo i concetti di simultaneità e dinamismo.

Il Cubismo, invece, lo guida nel confronto tra la struttura dell’immagine e la superficie bidimensionale della tela.

Lo “spaesamento” di Magritte

Sono concetti fondamentali questi per lo “spaesamento” dell’osservatore che attua l’artista nelle sue opere cioè lega realtà tra loro incompatibili e inserisce oggetti familiari in contesti assurdi, avvicinandosi a teorie chiaramente Surrealiste.

Magritte parte dalla convinzione che il significato del mondo è impenetrabile e concepisce la pittura come strumento di evocazione del mistero.

Un’immagine apparentemente tranquilla

La tela “La Riproduzione Vietata” (1937) sembrerebbe un’immagine apparentemente tranquilla, dalla cornice dello specchio al libro sulla mensola.

Il soggetto potrebbe sembrare nient’altro che un ritratto, se non fosse che l’uomo rappresentato di spalle con l’abito elegante e i capelli ben pettinati veda a sua volta le sue spalle.

Lo specchio quindi  non riflette, ma ripete l’immagine dell’uomo. Il suo volto non compare.

Stupisce però notare come il libro sulla mensola si rifletta correttamente.

Interpretazioni

La mancata rappresentazione delle fattezze del personaggio potrebbe significare che il soggetto del ritratto, Edward James, non avesse idea della sua vera identità, di chi fosse veramente.

Questa sua non percezione dell’io lo porta a non riconoscersi guardandosi allo specchio, a non vedersi davvero.

E credo che il libro sia riflesso normalmente perché non ha un’anima, non può essere in conflitto con sé stesso.

Personalmente questa tela mi provoca inquietudine e fastidio nel non conoscere il volto dell’uomo. Osservandola bene mi sembra quasi che il protagonista si volti da un momento all’altro, quindi mi dà un senso di aspettativa nel conoscere il suo vero volto ma mi lascia anche con l’amaro in bocca nel sapere che non accadrà mai.

Quest’opera può sembrare bizzarra ad un primo sguardo, ma guardando al di là dell’immagine si può carpire ben più di quello che è fisicamente rappresentato.

L’immagine è solo un’immagine e la vera essenza di sé non si riflette in uno specchio.

Virginia Ciccariello


Gli “impacchettamenti” di Christo e Jean-Claude

Pagina correlata agli impacchettamenti di Christo e Jean-Claude: Land art

Cenni biografici

Christo Yavachev è uno dei maggiori rappresentanti della Land Art. Nasce a Gabrovo, in Bulgaria, nel 1935.

Dal 1953 al 1956 studierà all’Accademia di Belle Arti di Sofia. Terminati gli studi sarà presente in varie città tra cui Praga, Vienna, Ginevra e Parigi dove sarà attivo nel movimento Nouveau Réalisme.

I primi lavori

I suoi primi lavori consistono in oggetti comuni (bottiglie, cartoni, ecc.) “impacchettati” per sottrarli al circuito del consumo.

L’oggetto è sempre riconoscibile, ma l’involucro lo priva delle caratteristiche che attraggono maggiormente i consumatori come la qualità del materiale, la funzione pratica o il colore.

L’incontro con Jean Claude e gli “impacchettamenti”

Proprio a Parigi nel 1958 incontrerà la sua futura moglie Jean Claude Denat de Guillebon, con la quale si trasferirà a New York nel 1964.

Da questo incontro nascerà anche una collaborazione artistica e gli “impacchettamenti” diventano monumentali coinvolgendo addirittura interi edifici rivestendoli con tessuti acrilici di diverso colore.

 Opere di questo genere sono Wrapped Roman Wall (1973-74) in cui rivestono le Mura Aureliane di bianco a Roma, Wrapped Pont Neuf (1975-85) a Parigi in cui rivestono di giallo ocra l’antico ponte, Wrapped Reichstag Berlin (1971-95) il parlamento tedesco a Berlino che sarà ricoperto di tessuto di colore argento.

<Nascondere per valorizzare>

Il dichiarato intento dei due artisti è quello di <<nascondere per valorizzare>> riportando l’attenzione sulle cose e sui monumenti dimenticati perché ormai parte dello scenario quotidiano.

Valley Curtain e Running Fence

L'artista Cristo e un impacchettamento sullo sfondo.
L’artista Christo e un impacchettamento sullo sfondo. Foto a bassissima definizione inserita a scopo didattico.

Realizzano questi “impacchettamenti” anche in natura tramite barriere di tessuti che trasformano la fisionomia del paesaggio che le accoglie come si può notare in Valley Curtain (1970-72) in Colorado o in Running Fence (1972-76) a San Francisco.

In quest’ultimo ampi teloni di nylon bianco sono appesi nella campagna californiana ad un cavo d’acciaio sorretto da montanti metallici, e il biancore dei teli si contrappone ai sobri colori del terreno.

Opere, purtroppo, destinate a scomparire

Gli interventi dei due artisti però sono sempre effimeri e destinati ad essere completamente rimossi poiché il loro lavoro sull’ambiente non è finalizzato a modificarlo, ma piuttosto a valorizzarlo e ad attivare nuovi modi di guardare e vivere il paesaggio.

Molti progetti però sono rimasti solo su carta poiché i due artisti si autofinanziano con la vendita dei disegni preliminari, non accettando sponsorizzazioni per non dover limitare la propria libertà creativa e quindi risulta difficile coprire gli ingenti costi di realizzazione.

Inoltre l’impossibilità di realizzare alcuni progetti è dovuta anche a vari ostacoli burocratici e l’opposizione di chi non ne comprende le finalità.

Virginia Ciccariello

BIBLIOGRAFIA

C. Bertelli, La storia dell’arte, Edizione Verde, PEARSON

G. Cricco, F.P. Di Teodoro, Itinerario nell’arte, Seconda Edizione, Zanichelli


Biografia di Antonio Ligabue

Ritratto fotografico di Antonio Ligabue
Ritratto fotografico di Antonio Ligabue

Biografia di Antonio Ligabue: Antonio Costa, conosciuto come Antonio Ligabue, nacque a Zurigo il 18 dicembre 1899. La madre era Elisabetta Costa ma sull’identità del padre non si hanno notizie.

Nel 1900 venne affidato ad una coppia di svizzeri-tedeschi (Johannes Valentin Göbel ed Elise Hanselmann), che mai ne legittimarono l’adozione. Il bambino si affezionò comunque moltissimo alla matrigna tanto che, nonostante i numerosi contrasti, talvolta anche aspri, visse con la coppia fino al 1919.

Nel frattempo, a distanza di poco più di un anno dalla nascita di Antonio, la madre Elisabetta si sposava con Bonfiglio Laccabue, un italiano emigrato in Svizzera, che nel giro di qualche mese regolarizzò la paternità del bambino dandogli il proprio cognome.

L’artista però, in età adulta, preferì essere chiamato Ligabue, anziché Laccabue. Nel 1942, infatti, si fece ufficialmente cambiare il cognome (si pensa che nutrisse odio verso il patrigno, da lui ritenuto come l’uxoricida della madre e dei tre fratelli, tragicamente morti nel 1913 per una intossicazione alimentare [Cesare Zavattini cit.]).

A causa delle difficili condizioni economiche e culturali della coppia che lo accudiva Antonio dovette subirne i continui spostamenti. Il suo carattere, diffidente, complicato ed introverso, e la grossa problematica nell’apprendimento delle materie scolastiche, lo portarono a cambiare diverse scuole: prima a San Gallo, quindi a Tablat e infine a Marbach, da cui venne espulso per cattiva condotta nel maggio del 1915. Dopo l’ultimo spostamento scolastico Ligabue si trasferì con la sua famiglia adottiva a Staad.

Non ancora ventenne Antonio era già preda di periodiche crisi di nervi. Intorno ai primi mesi del 1917, a Pfäfers, in seguito ad un violento attacco nervoso, venne per la prima volta ricoverato in un ospedale psichiatrico.

Nel 1919 fu espulso dalla Svizzera e condotto a Gualtieri dove viveva Bonfiglio Laccabue ma, per i forti disagi derivati dalla non conoscenza della lingua italiana, fuggì tentando il rientro in Svizzera. Ricondotto nello stesso paese, Antonio visse con l’aiuto dell’ospizio Carri, una struttura pienamente dedicata alla mendicità.

Nel 1920, proprio mentre l’artista iniziava a realizzare le prime tele, ricevette l’offerta di un lavoro da svolgere presso gli argini del Po.

Antonio Ligabue: Tigre, collezione privata.
Antonio Ligabue: Tigre, collezione privata. (Foto a bassa risoluzione inserita a scopo didattico)

Nel 1928 Renato Marino Mazzacurati, restando meravigliato dal suo modo di dipingere ed abbinare i colori, volle prenderlo sotto la sua protezione e guidarlo verso la meritata valorizzazione del suo talento insegnandogli la tecnica della pittura ad olio. Fu, quello, un periodo dedicato pienamente all’arte, alternato però da interruzioni girovaghe senza meta lungo gli argini Po.

Nel 1937, in seguito ad atti di autolesionismo, Ligabue venne ricoverato in manicomio a Reggio Emilia dove rimase alcuni anni, fino a quando, nel 1941, lo scultore Andrea Mozzali riuscì a farlo dimettere e ad ospitarlo nella propria residenza a Guastalla.

Nel corso della seconda guerra mondiale, ormai padrone della lingua italiana, il pittore fece da interprete ai militari tedeschi.

Nel 1945, dopo una violenta lite con un soldato tedesco, fu riportato nell’ospedale psichiatrico dove vi rimase per altri tre anni.

Dal 1948 Ligabue intensificò l’attività artistica mentre la sua fama si diffondeva a macchia d’olio in tutto il territorio italiano, tanto che fu preso in considerazione, oltre che dalla stampa e noti mercanti, anche dagli studiosi di Storia dell’arte: è del 1957 il bellissimo servizio fotografico su Ligabue di Severo Boschi ed Aldo Ferrari (fotografo) nel giornale “Il Resto del Carlino”.

Nel 1961, alla Galleria La Barcaccia di Roma, venne allestita la sua prima mostra personale.

Nello stesso anno, in pieno svolgimento della sua attività artistica, Ligabue subì un incidente in motocicletta e, nel 1962, fu vittima di una paresi.

Nell’anno successivo il gallerista Vincenzo Zanardelli, amico del pittore, dedicò a lui una grande rassegna antologica a Guastalla.

Ligabue, prima di morire, chiese di essere battezzato e cresimato. Morì il 27 maggio 1965 e venne sepolto nel cimitero di Gualtieri. Sulla lapide della sua tomba fu posta la maschera funebre in bronzo eseguita da Andrea Mozzali.

Elenco di alcune opere di Ligabue

  • Falco e Volpe – 43 x 55 cm, Olio su Tavola, anno 1930.
  • Cani setter con passaggio – 70 x 50 cm, Olio su Tavola, anno 1940.
  • Cavalli con temporale – 56 x 52 cm, Olio su tela su tavola, anno 1940.
  • Cavalli normanni – 70 x 50 cm, Olio su Tavola, anno 1940.
  • La traversata della Siberia – 96 x 65 cm, Olio su Tavola, anno 1940.
  • Stalla con cavalli – 70 x  50 cm, Olio su tela su tavola, anno 1940.
  • Tigre – 32 x 25 cm, Olio su Tavola, anno 1942.
  • Leopardo che Assale una Gazzella – 60 x 60 cm, Olio su Tavola, anno 1943.
  • Setter Poiting – 23 x 23 cm, Olio su Tavola, anno 1943.
  • Autoritratto – 40 x 25 cm, Olio su cartone telato, anno 1947.
  • Aratura Con Cavalli – 32 x 16 cm, Olio su Tavola, anno 1948.
  • Volpe In Fuga – 70 x 100 cm, Olio su Tavola, anno 1948.
  • Crocifissione – 80 x 60 cm, Olio su tela su tavola, anno 1951.
  • Leopardo con Serpente – 90 x 70 cm, Olio su faesite, anno 1952.
  • Autoritratto in Moto – 11 x 9 cm, Olio su Tavola, anno 1952.
  • Caccia Al Cinghiale – 33 x 25 cm, Olio su Tavola, anno 1953.
  • Volpe Con Pollo In Bocca – 33 x 28 cm, Olio su Tavola, anno 1953.
  • Cane E Paesaggio – 26 x 25  cm, Olio su Tavola, anno 1953.
  • Aratura – 27 x 12 cm, Olio su Tavola, anno 1954.
  • Caccia – 83 x 77 cm, Olio su Tavola, anno 1955.
  • Autoritratto Con Cane – 80 x 100 cm, Olio su Tavola, anno 1957.

Bibliografia:

  • Mario De Micheli (curato da), Il bestiario di Ligabue scultore, Ed. Galleria della Steccata, Parma, anno 1972.
  • Cesare Zavattini, Ligabue, saggio introduttivo di Marco Vallora, Bompiani, Milano 1984/2014.
  • Dizionario Biografico degli Italiani, LXIII, Istituto dell’Enciclopedia italiana, Roma anno 2004.
  • Matteo Smolizza (coordinato da), Tutto Ligabue. Catalogo ragionato dei dipinti, II vol., pp. 560, Augusto Agosta Tota Editore, Parma 2005.
  • Matteo Smolizza (coordinato da), Antonio Ligabue, La follia del genio, pagine 476, Augusto Agosta Tota Editore, Parma, anno 2011. Catalogo della mostra presso la Fondazione Magnani Rocca, Mamiano di Traversetolo, 12 marzo – 26 giugno 2011, a cura di Augusto Agosta Tota.
  • Sergio Terzi, Forestiero sul Po, Relapsus, anno 2015.
  • Elena Villani, Antonio Ligabue: incisioni , in Catalogo della grafica in Italia n.17, editore Giorgio Mondadori, Milano, anno 1987, pagine 23–37 (catalogo dell’opera incisa).

Il movimento artistico Avant-Pop (o Avantpop)

Pagine correlate all’Avantpop: Movimenti e linguaggi artistici A – L – Movimenti e linguaggi artistici M – O – Movimenti e linguaggi artistici P – Z

Avant-Pop (o Avantpop) è un movimento artistico nato intorno agli anni Novanta dello scorso secolo negli USA e partorito dal postmodernismo.

Si distingue dall’impiego di parti provenienti dai comuni mass media (giornali, musica pop, cinema, internet, fumetti, videogiochi …), generalmente montati in testi letterari con tecniche testuali e narrative, tratte soprattutto dalle avanguardie.

Esiste un manifesto dell’Avantpop (“Avant-Pop Manifesto: Thread Baring Itself In Ten Quick Posts”), reperibile nel web, scritto dallo statunitense Mark Amerika.

Il nome della corrente in esame deriva dal titolo di un album (1986) del jazzista statunitense Lester Bowie, in cui brani di musica pop furono sottoposti a nuovi arrangiamenti per una coordinazione di ottoni.

I principali interpreti del movimento sono, oltre che Mark Amerika, gli scrittori Jonathan Lethem, Kathy Acker, Steve Erickson, Patricia Anthony, Matt Ruff, Lewis Shiner, William T. Vollmann, Joe R. Lansdale, David Foster Wallace e Douglas Cooper.

I precursori dell’Avantpop sono i narratori di genere Philip K. Dick e Harlan Ellison ma anche altri scrittori appartenenti al Post-Modernismo tra cui citiamo Thomas Pynchon e Kurt Vonnegut.

Nel mondo del cinema spiccano i registi Quentin Tarantino, i fratelli Coen, Robert Rodriguez e il serbo Emir Kusturica.

In Italia possiamo tranquillamente annoverare come realizzazione Avantpop la collana omonima dell’editore romano Fanucci, curata da Luca Briasco e Mattia Carratello, dove furono pubblicati alcuni autori sopra citati.

Le immagini delle opere, nonostante i copyright, si trovano facilmente nel web.


Biografia di Jean Frédéric Bazille

Pagine correlate all’articolo: Impressionismo francese – Neoimpressionismo – le opere di Monet – le opere di Cézanne – le opere di Van Gogh – il Post-Impressionismo – tra l’Impressionismo ed il Post-Impressionismo

Biografia e vita artistica di Bazille

Bazille: Riunione di famiglia
Bazille: Riunione di famiglia

Jean Frédéric Bazille nasce a Montpellier il 6 dicemre 1841 e proviene da una agiata famiglia protestante.

Si reca a Parigi per frequentare la facoltà di medicina ma ben presto si accorge che le sue aspirazioni son ben altre. Infatti, senza il consenso dei genitori, attratto dall’opera di Delacroix, abbandona gli studi per dedicarsi alla pittura rimanendo nella capitale.

Nel 1862, frequentando l’atelier del pittore svizzero Charles Gleyre (Chevilly, 1806 – Parigi, 1874), in rue de Notre-Dames-des-champs, entra in contatto con altri allievi tra cui Renoir, Monet e Sisley, con i quali stringe una sincera amicizia.

Bazille: Ritratto di Renoir
Bazille: Ritratto di Renoir

Lo studio di Bazille, che si trova presso le Batignolles, viene ben presto usato come punto di riferimento, dove questi artisti si riuniscono ed incominciano a discutere sulla pittura. Il sodalizio si svilupperà poco più tardi nel rivoluzionario movimento impressionista.

Bazille forgia il proprio linguaggio pittorico nei soggiorni annuali, sulle rive del Lez, presso il lussuoso appartamento di famiglia a Meric, dove realizza “La robe Rose” (1864), un’opera da cui traspare la volontà dell’artista di conciliare le nuove ricerche con le regole accademiche della pittura.

Bazille: Paesaggio sulla riva del Lez
Bazille: Paesaggio sulla riva del Lez (1870), olio su tela, Minneapolis Institute of Arts

Sempre nella villa di Meric, qualche anno più tardi, nel 1868, realizza “La vue de village: Castelnau”. Quest’ultima si presenta con una struttura compositiva più o meno uguale a quella di “La robe Rose”.

La più grande conquista a livello pittorico l’ottiene con un’abile integrazione della figura umana nel paesaggio, fondendo il tutto in un’unica immagine.

I preparativi per la prima manifestazione degli Impressionisti indipendenti vengono interrotti (1870-71) quando Bazille si arruola nell’esercito francese come volontario per combattere contro la Prussia, nonostante i tentativi di dissuasione dei colleghi pittori.

Purtroppo, nel corso della prima battaglia (28 novembre 1870), all’età di soli 29 anni, Bazille viene ucciso al fronte a Beaune-la-Rolande.

La Robe rose - 1864, Parigi.
La Robe rose – 1864 – Musée d’Orsay, Parigi.

Alcune fra le opere più importanti dell’artista:

  • La Robe rose – 1864 – Musée d’Orsay, Parigi.
  • Autoportrait – 1865 – The Art Institute, Chicago.
  • Porte de la Reine à Aigues-Mortes – 1867 – Esposto al Metropolitan Museum of Art.
  • Réunion de Famille – 1867 – Musée d’Orsay, Parigi.
  • Vue de village – 1868 – Musée Fabre, Montpellier.
  • Le Pécheur à l’épervier – 1868 – Fondation Rau per il terzo mondo, Zurigo.
  • Scène d’été – 1869 – Cambridge, Harvard University.
  • La Toilette – 1870 – Musée Fabre, Montpellier.
  • Paysage au bord du Lez – 1870 – The Minneapolis institute of Art, Minneapolis.
  • L’Atelier de la rue La Condamine – 1870 – Musée d’Orsay, Parigi.
  • Lo studio dell’artista, 1870 – Rue de la Condamine.
  • Atelier de la rue Furstenberg (data sconosciuta), Montpellier, Musée Fabre.
  • Aigues-Mortes, Montpellier (data sconosciuta), Musée Fabre.

Mostre dal 1992 ad oggi (2016)

Tra luglio 1992 e gennaio 1993 a Montpellier: Frédéric Bazille et ses amis impressionnistes, Musée Fabre et Brooklyn (USA), Museum of Art.

Tra il 23 febbraio ed il 16 maggio 1999 ad Atlanta (USA): Monet & Bazille A Collaboration, High Museum of Art.

Tra ottobre 2003 e gennaio 2004 a parigi: Bazille, Musée Marmottan.


Differenza tra impressionismo e Post-Impressionismo

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Mentre l’Impressionismo è un vero e proprio movimento artistico, il Post-Impressionismo non appare come tale. Il suo termine, infatti, viene usato spesso per indicare le più svariate correnti pittoriche sviluppatesi subito dopo l’avvento dell’Impressionismo.

La montagna di Sainte Victoire
Cezanne: La montagna di Sainte Victoire, cm. 65 x 81, Zurigo, Kunsthaus.

La parola Post-Impressionismo venne coniata dal critico d’arte Roger Eliot Fry (Londra, 14 dicembre 1866 – 9 settembre 1934) in occasione di una mostra pittorica svoltasi nel 1910 a Londra, ove furono esposte tele di van Gogh, Gauguin e Cézanne.

Tutte le correnti che il Post-Impressionismo ha in esso incorporate, generalmente del tipo figurativo, hanno un comune denominatore: l’eredità, più o meno grande, dell’Impressionismo. Tuttavia il Post-Impressionismo non può essere definito come un vero e proprio movimento artistico, in quanto i caratteri stilistici che accorpa, sono molto variegati.

La pittura impressionista, come già sopra riportato, è realizzata ‘en plein air’ (all’aria aperta) con una tecnica rapida e spontanea, catturando le percezioni visive che la paesaggistica, o qualsiasi altra scena comunica al pittore, con rappresentazioni più o meno evanescenti invece che la descrizione della realtà con l’impiego del disegno, della prospettiva e con lo studio dettagliato di ogni elemento da rappresentare.

Le opere degli impressionisti sono generalmente di piccole e medie dimensioni, ove i paesaggi, le persone e gli oggetti vengono riportati sul supporto pittorico con tratti veloci e senza sfumature. Queste ultime vengono sostituite dall’accostamento di colori integri ed appena usciti dal tubetto.

Vegetazione tropicale
Paul Gauguin: Vegetazione tropicale, cm. 116 x 89 Edimburgo National Gallery of Scotland.

I pittori appartenenti al Post-Impressionismo, invece, rispettano il concetto del disegno e ritornano a lavorare negli atelier, dipingendo su tele più grandi. Inoltre per essi tutto è degno di essere riportato sul supporto pittorico e alla pittura spetta non solo la pura rappresentazione dell’attimo: deve poter anche esprimere gli stati d’animo del pittore.

Possiamo affermare che Il Post-Impressionismo è soltanto la semplice definizione per l’individuazione di un certo periodo cronologico, a cavallo degli ultimi due decenni dell’Ottocento ed i primi anni del Novecento.

I pittori post-impressionisti non sono più stimolati nella riflessione sulla reale consistenza della natura impiegando gradevoli e luminosi giochi di colore ma sono diretti verso una rappresentazione sempre più soggettiva.